“Billy Elliot, el musical”: todo por un sueño

Preparen los pañuelos...

La llegada de Billy Elliot, el musical al Teatro Opera representa una puesta en escena marcada por el conflicto personal y social en la Inglaterra industrial de 1984. El estreno local, impulsado por la música de Elton John y una producción que prioriza la potencia teatral, se apoya en un contexto real: la huelga minera que enfrentó al sindicalismo británico con el gobierno de Margaret Thatcher y que redefinió las relaciones laborales y debilitó al movimiento sindical en el Reino Unido, además de disparar —junto a las políticas de Ronald Reagan gobernando Estados Unidos— el neoliberalismo que hoy predomina en el mundo entero.

Desde el inicio, la obra sitúa al público en ese contexto sociopolítico. Un fugaz fragmento documental de La Thatcher domina el escenario, acompañada de un noticiero audiovisual que menciona la industrialización británica y anuncia la huelga minera de 1984 a 1985. La imagen arranca algunos (pocos) silbidos en el Opera, sin duda apoyados por todo lo que acaba de generar el reciente triunfo de la Selección argentina contra Inglaterra en el Mundial, con el trapo de Malvinas como ingrediente central.

En ese marco, Billy Elliot —hijo y hermano de mineros en la ciudad de Durham— descubre su pasión por el ballet, un arte que su entorno asocia a la feminidad y rechaza como camino viable para un varón.

La narrativa de la obra —con dirección general de Rubén Szuchmacher— se construye sobre dos frentes de conflicto para el protagonista: el personal, al enfrentarse a sus propios prejuicios y deseos, y el social, al desafiar la tradición familiar y el mandato masculino del colectivo minero.

El padre de Billy —Osvaldo Laport— encarna la resistencia y la dureza de una época atravesada por la crisis, mientras que la profesora de ballet —Alejandra Perlusky, uno de los puntos altos del elenco— se presenta como la figura que impulsa y contiene a un niño que busca un lugar para su talento. “El ballet no es de mariquitas”, se repite como consigna en una sociedad donde los prejuicios y la discriminación sin matices le daban vigencia a los estigmas de género.

Pero uno de los mayores placeres de sentarse en las butacas del Opera es disfrutar el gran trabajo del protagonista absoluto, Joaquín Mondino Formichelli como Billy. Este pibe santafecino de 12 años —¡todo un actor ya!— la rompe en (casi todas) las coreografías, y brilla aún más a la hora de actuar y cantar. Sin dudas, un nombre para recordar. No suena arriesgado anticiparle una gran carrera y que, de aquí en más, en las notas periodísticas que vendrán, será un lugar común eso de “aquel chico que mostró todo su talento desde su aparición como Billy Elliot”.

El texto no elude la crudeza del lenguaje ni la violencia simbólica que atraviesa la vida de Billy Elliot. Frases como “¡no soy p...!” aparecen sin filtro, algo que suma realismo aunque pueda incomodar a parte de la platea. El uso del lenguaje callejero, propio del ambiente proletario, refuerza la autenticidad del contexto.

Entre los personajes secundarios, también brilla el amigo de Billy —Lautaro Muro López—. Su papel introduce una visión actual y desprejuiciada sobre la orientación sexual, permitiendo que la obra dialogue con el presente y ponga en cuestión los mandatos de género. La naturalidad con que se aborda el tema de la diversidad sexual contrasta con la hostilidad que enfrenta el protagonista, y evidencia la tensión entre la tradición y los cambios culturales.

Y hablando de comedia musical, cómo no mencionar la música compuesta por Sir Elton John, emblema del pop británico y más allá, otro de los pilares de la puesta. La decisión de ofrecer música en vivo —bajo la dirección orquestal de Gaby Goldman— crea un clima emocional que potencia los momentos de mayor intensidad dramática, algo que difícilmente se lograría si la banda sonora estuviera grabada.

Otro gran acierto de la puesta —si uno piensa en la película y el protagonismo del ballet clásico— es la preminencia en los cuadros de baile del tap. El zapateo transmite una fuerza inmediata que arranca aplausos unánimes en la sala, especialmente en la escena de los maniquíes, con gran lucimiento de Billy y su amigo. En el rubro clásico, sin dudas, el climax emotivo llega cuando Billy más que bailar, “vuela”, acompañado por Braian Mansilla (el Billy ya adulto), provocando otra ovación inevitable. Se dijo, preparen los pañuelos...

Pero siempre hay un pero..., y en este caso es la extensión del musical, que supera las dos horas y media con intervalo, como un posible obstáculo para mantener la tensión dramática. El intento de abordar múltiples líneas temáticas puede dispersar el foco narrativo. Eso sí, la apuesta por una estructura de musical adulto —y no infantil— permite profundizar en los dilemas existenciales y sociales de los personajes.

Billy Elliot, el musical tuvo más de 12 millones de espectadores en sus versiones de Madrid, Londres y Broadway, y su éxito radica en la capacidad de interpelar a públicos diversos. La puesta local refuerza esta vigencia y plantea, como destacó el prestigioso diario británico The Guardian tras su estreno en el West End londinense, “un interrogante incómodo para cualquier época: ¿qué sucede cuando un sueño desafía el lugar y el entorno en el que nace?”. La historia se convierte así en un espejo para quienes enfrentan vidas predeterminadas por el origen, la tradición o la expectativa familiar, y explora la posibilidad de abrir una grieta para el deseo y la autodeterminación.

El público presente en el Opera que ya lleva soplando más de cincuenta velitas, si es que en la primavera alfonsinista frecuentaba el Parakultural —cumbre del under porteño en esos días—, puede que asocie el mensaje clave de Billy Elliot, el musical a aquel grito de guerra del genial grupo de teatro experimental Las Gambas al Ajillo: “¡Sé tu mismo!“, exhortaban las enormes Verónica Llinás, Alejandra Flechner y María José Gabin.

O sea, más allá de los molinos de viento (sociales, familiares y un largo etc.), seguí tus sueños. Ese es el combustible indispensable para transformarse en lo que uno aspira. De eso va esta historia, que en el año 2000 fue película multipremiada y exitosa. Y que ahora, con una gran producción a cargo de los hermanos Diego y Omar Romay (claro, los hijos del Zar de la tele, don Alejandro, dueño del Canal 9, el de la palomita), digna de Broadway o Londres, se puede disfrutar en la calle Corrientes. Extrañamente, por la cifra millonaria que implica, por no muchos días más: hasta el 8 de agosto, ya que el Opera está reservado luego de esa fecha, aclaran los productores.

La última imagen del cronista es esta: tras otro gran momento, esa coreo colectiva repiqueteada a puro tap antes de que caiga el telón, el público aplaude, aplaude, no deja de aplaudir.

Fotos: Ale Palacios