De Cate Blanchett a Tom Hiddleston, Hollywood conquista los teatros de Londres

La cantidad de estrellas de Hollywood actualmente en el West End de Londres solo puede describirse como excesiva. Cate Blanchett es una diva mercurial en The Seagull (La Gaviota) mientras Tom Hiddleston y Hayley Atwell son amantes irónicos e improbables en Much Ado About Nothing (Mucho ruido y pocas nueces) Rami Malek es un heredero asesino en Oedipus (Edipo), Brie Larson una hija vengativa en Electra y Jonathan Bailey un rey petulante en Richard II. ¿Por qué tantas celebridades están abordando los clásicos en Londres, en este momento?

Si Kostya, el joven y gruñón dramaturgo de The Seagull (Kodi Smit-McPhee, otro actor de cine), tiene algo de razón, el teatro es “lo menos vital del mundo”. ¿Por qué? “Es caro, elitista, indulgente, anticuado y completamente irrelevante”. La acusación es dura, y por supuesto arrancó risas del selecto público que asistió a la noche de estreno de Blanchett. Pero la cuestión de la vitalidad continua del teatro persigue a la industria en ambas orillas del Atlántico. Ahora que los servicios de streaming están inundados con un flujo incesante de contenido novedoso protagonizado por caras famosas, disponible en casa por una fracción del precio, ¿qué atrae aún a las audiencias al teatro?

Pues bien, caras famosas, por un lado, y textos con una resonancia confiable. En Broadway, esa combinación tiene un costo vertiginoso: esta primavera del hemisferio norte, los asistentes al teatro pueden ver a Denzel Washington y Jake Gyllenhaal en Otelo por hasta 921 dólares por entrada. (Son casi 6 dólares por minuto, para quien lleve la cuenta). Una entrada comparable para The Seagull cuesta aproximadamente un tercio de esa cifra, aún elevado para Londres, pero justo por encima del promedio de Broadway. Los riesgos financieros para el teatro de Londres son más modestos porque los costos de producción son más bajos, en parte debido al mayor financiamiento gubernamental y la menor influencia de los sindicatos, y las entradas son más baratas. (El talento también se beneficia de un coro de críticos del West End más disperso). Aun así, “caro” es un punto bien tomado.

“Si el teatro va a sobrevivir”, suplica Kostya, “necesitamos nuevas voces. Nuevas perspectivas. Nuevas formas”. Hay cierta ironía en su lamento, viniendo de una adaptación impulsada por estrellas (dirigida por el alemán Thomas Ostermeier y el dramaturgo inglés Duncan Macmillan) de una obra de Chéjov que se estrenó en 1896. Pero la actual oleada de revisiones en escena en Londres busca maneras emocionantes de hacer que los clásicos hablen a nuestro presente desconcertante. Con nombres de alto perfil para captar la atención de una audiencia cada vez más fragmentada, cada obra ofrece una historia familiar con un pulido que se siente a la vez contemporáneo y primordial.

En lo que puede parecer el fin de los tiempos -desde crisis climáticas hasta un orden mundial cambiante-, ¿pueden las historias milenarias enseñar algo aún? Los productores en el Reino Unido parecen estar diciendo: metamos una estrella en ellas y averigüémoslo.

Emma Corrin (de The Crown) está suspendida en un arnés como la ingenua aspirante Nina, recitando la obra en proceso de Kostya mientras su familia y sus empleados asociados se agitan con cascos de realidad virtual. El enfoque de Ostermeier en la finca artística en temporada baja donde ocurre The Seagull es un campo de maíz sobre un escenario mayormente desnudo. “Como fue al principio, así es de nuevo”, recita Nina, una afirmación sobre la naturaleza cíclica del tiempo que aparece en varias obras diseminadas a lo largo del Támesis. Si esto es lo que parece el futuro, el personaje Arkádina de Cate Blanchett lo desacredita.

Blanchett es un imán de taquilla y una veterana del teatro, con más de dos décadas actuando junto a la Sydney Theatre Company (incluyendo Un tranvía llamado deseo y Tío Vania, ambas llevadas al Kennedy Center). Puede hacer casi cualquier cosa, y lo que Ostermeier le pide que haga aquí, como la madre de Kostya y una actriz otrora célebre, es casi una villana de caricatura: caótica, petulante y casualmente cruel. La obsesión compulsiva del personaje con sí misma suele ser completamente abrumadora, pero el retrato de Arkádina que ella compone es el de una persona cómicamente terrible.

Lo ridículo es divertido -en un momento de absoluto afán de atención, hace un split en unos vaqueros con lentejuelas-, pero cuesta a su actuación algo de la emoción y sutileza que podrían haberle dado más profundidad. (El fugaz instante en que ella finge dejar de actuar resulta absolutamente electrizante.) Otros del elenco -McPhee, Corrin y especialmente Tanya Reynolds (de Sex Education) como una gótica y desesperada Masha- demuestran aspectos indelebles de la naturaleza humana a través de cien matices de sinceridad.

A pesar de todo el sufrimiento emocional -y las reflexiones sobre el estado calamitoso de las artes, transmitidas como un puñetazo en el estómago en esta incisiva adaptación-, The Seagull se supone una comedia, así que es difícil discutir la insistencia de Ostermeier en el tono ligero.

La vibra en Mucho ruido y pocas nueces, en el magníficamente renovado Theatre Royal Drury Lane, es tan festiva que podría subtitularse “¡Así suena el Shakespeare de hoy!” Hits nostálgicos de la era millennial resuenan por los altavoces antes de la función. El director Jamie Lloyd, cuyo sensual y simplificado revival de Sunset Blvd. llegó a Broadway el año pasado, lleva el romance aquí a alturas atmosféricas. No solo impulsa la trama, se convierte en el clima.

Confeti en rosa flamenco, uno de varios toques vibrantes, cae al escenario durante gran parte del espectáculo, acumulándose en pilas bajas como si fuera nieve plumosa. Una escena de espionaje, en la que Benedick (interpretado por Tom Hiddleston) intenta esconderse torpemente en esos montones delgados, probablemente será uno de los momentos visuales destacados del año. Como si el atractivo de Hiddleston no fuera suficientemente evidente, un enorme corazón inflable rojo lo engulle momentáneamente.

Todo es muy explícito y exagerado, que es precisamente el punto -y probablemente lo que ha elevado la obra a un evento teatral, especialidad tanto de Lloyd como del dueño del teatro, Andrew Lloyd Webber, quien se veía encantado al final de mi fila en una función reciente. Recortes de cartón de Hiddleston y Atwell, en sus respectivos atuendos del Universo Cinematográfico de Marvel, se exhiben en medio de las travesuras para subrayar el punto meta: si los grandes héroes del cine son lo que quieres, Mucho ruido y pocas nueces te los dará.

Y funciona. Contrario a unos recientes versos de Cindy Adams que lamentaba la persistencia de Shakespeare en el Midtown de Manhattan, Broadway podría hacer incluso más Shakespeare. ¿Por qué dejar las comedias para Central Park? El trabajo de Hiddleston como Benedick es seducir al público: Beatrice es engañada para que se enamore de él de todos modos, así que nosotros somos quienes necesitamos ser convencidos. La estrella de Loki, a quien Lloyd también dirigió en Betrayal en Broadway en 2019, tiene un encanto natural y no lo exagera. Atwell, habitual en los escenarios de Londres, interpreta a una Beatrice que cae demasiado a menudo en extremos, pero los amantes forman una buena pareja.

Es épicamente desagradable decir esto, pero también lo hacen Malek e Indira Varma en un escalofriante y estremecedor Edipo en el teatro Old Vic. Codirigida por Matthew Warchus, director artístico del Old Vic, y Hofesh Shechter, coreógrafo israelí, la producción se desarrolla en un plano sombrío y acre que es un poco de sequía postapocalíptica, que podría llegar en cualquier momento a un municipio cercano. El texto es una nueva adaptación de Ella Hickson, pero la estrella aquí es el movimiento: un agitar y golpeteo de extremidades, primordial pero fluido, que de algún modo se siente tanto abstracto como narrativo. Está coreografiado por Shechter (quien también creó la música de drum-and-bass) y bailado por la compañía que lleva su nombre.

Es un logro que Malek, en su debut importante sobre un escenario teatral, no se desvanezca como el líder condenado, sino que ofrezca una interpretación reflexiva y delicada en medio de un torbellino. Su Edipo es noble y preciso, nervioso pero con más gracia e integridad de la que generalmente se conoce en los políticos. Un Edipo más sobrio se trasladará de Londres a Broadway dentro de unos meses, protagonizado por Mark Strong y Lesley Manville, dirigido por Robert Icke como un thriller político ambientado en la actualidad.

Las disputas familiares cuyos dilemas morales moldean futuras civilizaciones están en el corazón tanto de Electra como de Richard II. La primera opta por la deconstrucción, un método favorito del director Daniel Fish, cuya premiada versión de Oklahoma! expuso los orígenes amargos del mito americano. Su Electra es en algunos aspectos esotérica hasta el punto de la abstracción total, con objetos colgando sobre el escenario (un dirigible, una caja que truena) que parecen no tener un significado evidente, mientras otras señales visuales (un dispositivo que rocía pintura negra sobre los personajes mientras la tragedia avanza, la camiseta de “Bikini Kill” que Electra lleva como chica-joven-enojada) son como golpes contundentes a la cabeza.

Micrófonos equipados con varias modulaciones, que Larson utiliza para distorsionar ciertas líneas con tal o cual efecto, al menos expanden el rango de su rabia plana y constante. Como Clitemnestra, una madre con sangre en las manos, Stockard Channing tiene un control hipnótico sobre las maravillas de subestimar el momento mientras el coro demuestra el potencial para la armonía en la disonancia.

Las claras referencias a Succession en Richard II, dirigida por Nicholas Hytner, fundador del Bridge Theatre, son estéticamente divertidas. ¿Qué fanático de los Roy no se inclina hacia adelante al escuchar un piano percutivo y una explosión de cuerdas? Podría haber sido un acierto creativo si los ecos de la cultura pop ayudaran a iluminar el texto, pero es solo un poco de disfraz. Bailey, un actor inglés en el escenario desde la infancia, domina firmemente el lenguaje, pero no arroja mucha luz sobre el retorcido interior del rey depuesto.

Puede parecer curioso para una tragedia histórica, pero Bailey provoca muchas risas. En parte, exprime ciertas líneas como una elección, otro villano cómico suelto. Pero aquí ocurre algo más. El público está ansioso, saltando ante la oportunidad de reír incluso en medio de la guerra. No porque las tensiones sean particularmente altas en el escenario, sino porque necesitan una válvula de escape. De las alertas que se acumulan en sus teléfonos silenciados. De la emoción de ver a una estrella de cine de cerca y compartir la experiencia con otras personas. Es un gozo irreemplazable.

Fuente: The Washington Post.