Madrid vive la semana artística más importante del año, con el desarrollo de ARCOmadrid, su tradicional feria de arte que celebra su 44° edición; UVNT, evento que desarrolla su novena edición, y JustMad, que va por su16ª edición, de la que participarán 12 galerías argentinas, además de una muestra con participación nacional en Casa de Américas.

El punto de partida fue la entrega del Premio Internacional de Mecenazgo al empresario y coleccionista argentino Eduardo F. Costantini, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y continúa hasta el 9 de marzo, en que se desarrollará un programa de promoción de sus artes visuales, tal como ya sucedió en México y Miami, en una inicitiva llevada adelante en una asociación entre el Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto; la Embajada de Argentina en España; la Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional; la Secretaría de Cultura de la Nación, Meridiano, Cámara Argentina de Galerías de Arte Contemporáneo, y la Fundación arteba.

La iniciativa, informaron, “busca consolidar la proyección internacional del arte contemporáneo argentino, con actividades estratégicas orientadas a coleccionistas, curadores, críticos y compradores internacionales” a partir de una serie de actividades diseñadas para maximizar el impacto de la presencia nacional, entre las que se destacan encuentros de networking, visitas guiadas exclusivas para compradores potenciales y acciones de posicionamiento en plataformas clave del sector.

Entre las galerías asociadas a Meridiano y las que no, la participación se produce a través de Del Infinito, Herlitzka & Co, Nora Fisch, Rolf Art, Ruth Benzacar, W-galería, Isla Flotante, en ARCOmadrid; NN y Valerie’s Factory, en UVNT, y Julia Baitalá, Azur y Valk Gallery, que se presenta en conjunto con el proyecto Skiascope, en JustMad.

ARCOmadrid, de la que participan 214 galerías de 36 países en IFEMA, tendrá como eje temático el Amazonas, bajo el título “Wametisé: ideas para un amazofuturismo”, en un programa curado por Denilson Baniwa y María Wills, en colaboración con el Institute for Postnatural Studies, en la que se explorará nuevas formas de creación que integran elementos humanos, vegetales, físicos y metafísicos.

Del Infinito

La galería de Recoleta presenta una selección de piezas de Teatro Proletario de Cámara, del escritor y artista plástico argentino Osvaldo Lamborghini, realizada a partir de su exilio en Barelona, en la década del ‘80, compuesto por más de 500 páginas que reunían manuscritos, dibujos, collages, pinturas y experimentos gráficos inclasificables, muchos de ellos elaborados en soportes precarios, como “hojas cuadriculadas de cuadernos escolares”.

Hermano del escritor Leónidas Lamborghini, Osvaldo se convirtió de manera póstuma en una figura de la literatura y el arte contemporáneo, ya que en vida, en la que sólo publicó tres libros, sus obras circulaban de forma “clandestina, contracultural, en fotocopias o de mano en mano”.

En España, el autor de El fiord emprendió una producción de material literario y artístico, trabajando aislado en su vivienda, conocida como “el tallercito”, donde convivió junto a su úlltima pareja, Hanna Muck, hasta su muerte en 1985.

El proyecto Teatro Proletario de Cámara, un “dispositivo escrito, visual y objetual”, revela a un creativo al margen de las normas establecidas por la industria cultural, utilizando materiales de bajo presupuesto, lo que refuerza su distinción como un artista contracultural.

Las intervenciones visuales creadas en esta etapa suelen partir de “fotografías de revistas pornográficas” baratas que compraba su pareja en mercados de segunda mano, a los que Lamborghini transformaba estas imágenes con “témperas, lápices, microfibras y otros materiales”, desfigurando y desrealizando los cuerpos retratados.

Herlitzka & Co.

Con un stand en el pabellón 7, el espacio llega a la feria con una selección de obras de once de sus representados, buscando “invitae a reflexionar sobre temas como la identidad, la memoria y las tensiones entre tradición y modernidad”.

Entre las obras más destacadas que se exhibe se encuentra una pieza del emblemático Alberto Greco, quien dejó una huella imborrable en el arte contemporáneo al convertir su propio suicidio en su última obra y que tuvo en 2023 una retrospectiva en el Museo Reina Sofía. De Greco se presenta con un trabajo de su mano realizado en crayón sobre lienzo, que incluye la firma y una dedicatoria en su parte frontal.

Por su parte, de Alicia Herrero, cuya obra fue adquirida por el Reina Sofía en la edición anterior de ARCO, está con Escena (1998), un óleo sobre tela, mientras que de Marta Minujín se exhibe Viaje en mescalina, una obra realizada en tinta sobre papel vegetal en 1970. Minujín, considerada la “reina del pop” en el arte latinoamericano, también será protagonista este año con una exhibición en el mencionado museo español.

La representación de la temática queer es otro de los ejes destacados en el stand a través de las obras de artistas como Leandro Katz, el colombiano Álvaro Barrios y el argentino Marcelo Benítez, cuya producción artística permaneció oculta durante décadas y que ha sido objeto de un reciente rescate.

Además, la abstracción también tiene un lugar importante con trabajos de Alejandro Puente y Anita Payró, dos figuras clave en el desarrollo de este lenguaje artístico en América Latina, y junto a ellos, se presentan obras del brasileño Artur Barrio, de Candelaria Traverso y la peruana Gaudencia Yupari Quispe.

Isla Flotante

La artista argentina Mariela Scafati, reconocida por su enfoque multidisciplinario y su capacidad para fusionar arte y activismo, es la protagonista de un solo show, a partir de una selección de obras que abarcan desde finales de los años 90 hasta su producción más reciente.

Con curaduría de José Esparza Chong Cuy, la tercera participación de Scafati en la feria se llevará a cabo en el stand 9P08, dentro de la sección Perfiles | Arte latinoamericano, un espacio dedicado a fortalecer los lazos históricos entre la feria y el arte de la región.

La muestra incluye instalaciones y esculturas que la artista sigue denominando “pinturas”, desafiando las categorías tradicionales del arte. Este enfoque refleja su interés por explorar los límites de la pintura como medio, incorporando elementos como telas cosidas, muebles y técnicas de suspensión.

Nora Fisch

El espacio de San Telmo se presenta con tres artistas: Claudia Fontes, Fernanda Laguna y Juan Tessi, quienes a pesar de sus diferentes enfoques, comparten una reflexión sobre la cotidianidad, el ámbito íntimo y lo social.

Fontes, quien representó a Argentina en la Bienal de Venecia en 2017, exhibe piezas de su reciente serie Foreigners, pequeñas esculturas hechas en porcelana “que exploran la experiencia del inmigrante a través de nociones de refugio en la intimidad y la ternura”. Estas figuras también reflexionan sobre “la relación entre los seres humanos y la naturaleza”. Complementando estas esculturas, sus collages “realizados con páginas de la revista National Geographic”, en los que combina imágenes de vegetación e insectos fantásticos.

La obra multifacética de Laguna abarca desde el arte visual hasta la literatura y proyectos sociales en territorios vulnerables, habiendo trabajado durante más de dos décadas en Villa Fiorito, orientando sus prácticas artísticas para transformar positivamente la vida de mujeres y jóvenes de esta comunidad marginada.

En la feria pueden verse su serie Formas abstractas parecidas a algo, en la que resuenan tradiciones tales como el surrealismo y la abstracción geométrica, pero abordadas “desde una perspectiva autobigráfica y feminista”, como telas perforadas y marcos de mimbre que reflejan su interés en integrar referencias vernáculas, como “moños, brillantina, y elementos asociados a lo popular”. Asimismo, se exhibe una pieza de los años noventa que retoma las figuritas de purpurina coleccionadas por niñas de su generación, un guiño a las memorias de infancia y a la subjetividad femenina.

Por su parte, entre las piezas que presenta Tessi destacan óleos sobre lino y gesso que reafirman “una evolución siempre tumultuosa y profunda en su lenguaje visual”, con su lenguaje visual original en el que explora lenguajes que referencian la figuración, lo arcaico y la abstracción.

Rolf Art

La galería presenta un ambicioso proyecto en el Programa General, reuniendo a artistas latinoamericanos que, en colaboración con comunidades indígenas, exploran las complejidades de la amazonía, tema central de la feria.

Entre las obras más destacadas se encuentra “La Apoteosis del Indio Amazónico” (2025), una pieza inédita del colombiano José Alejandro Restrepo, considerado un referente del videoarte en América Latina. Esta obra dialoga con su serie de grabados históricos “América Equinoxial” (1991-1996).

Además, el peruano Roberto Huarcaya, figura clave de la fotografía contemporánea, colabora por primera vez con el artista y activista indígena Rember Yahuarcani, también de Perú. Juntos enseñan un fotograma intervenido de la serie “Amazogramas” (2025), una obra que ya ha captado la atención internacional tras su participación en la Bienal de Venecia 2024.

El proyecto no solo reúne a artistas visuales, sino que también destaca por su enfoque colaborativo con comunidades indígenas. El argentino Marcelo Brodsky, reconocido por su activismo en derechos humanos, exhibe nuevas piezas que amplían su obra previa “Territorios” (2022), realizada en colaboración con Fernando Bryce. Estas creaciones abordan la relación entre los pueblos originarios y sus territorios, reflexionando sobre las tensiones históricas y contemporáneas que los atraviesan.

Por su parte, el colectivo colombiano Mapa Teatro, conocido por su enfoque transdisciplinar, presenta “La vorágine más allá: Macharoko” (2024), una obra desarrollada en colaboración con la Comunidad Nukak y el artista Javier Navarro.

Este proyecto se basa en un proceso de intercambio de saberes que traduce un mito fundacional de la comunidad Nukak a un lenguaje plástico, utilizando linóleo para crear un “fósil contemporáneo” que encapsula la memoria y los gestos de esta tradición ancestral.

Ruth Benzacar

En el booth 9A17, convergen las obras de artistas de distintas generaciones: Marie Orensanz, Carlos Herrera, Florencia Rodríguez Giles y Stella Ticera.

El stand, explicaron, articula “un diálogo intergeneracional que reafirma el compromiso con la potencia del arte contemporáneo”. En el centro de la propuesta se encuentra la obra de Marie Orensanz, pionera del conceptualismo latinoamericano, cuyo trabajo combina “palabra y materia para construir significados abiertos”.

Por su parte, Carlos Herrera contribuye con piezas que exploran “la historia del ornamento, la sexualidad y la espiritualidad”. A través de una combinación de materiales orgánicos e inorgánicos—como cadenas, madera, flores y carne— Herrera crea instalaciones que invitan al espectador a reflexionar sobre cuestiones fundamentales como el paso del tiempo y la mortalidad.

En el ámbito del performance y la imaginación expandida, Florencia Rodríguez Giles propone una fusión radical entre “prácticas artísticas y terapéuticas”. Su trabajo, centrado en “estados entre la vigilia y el sueño”, utiliza máscaras, trajes, prótesis y materiales blandos para disolver límites perceptivos y fomentar nuevas narrativas colectivas.

Finalmente, Stella Ticera aporta una visión renovadora al arte contemporáneo. Su enfoque se centra en traducir “las fuerzas simbólicas y emocionales de su entorno” a lenguajes como el dibujo, el video y la performance. Con formación en artes visuales, danza y teatro, Ticera construye paisajes oníricos y caóticos que trabajan sobre “la inminencia de los sucesos y la información del cuerpo”. Su obra se caracteriza por la convergencia de referentes simbólicos con un enfoque experimental.

W-Galería

El espacio de San Telmo llega con un potente diálogo artístico entre las latinoamericanas Elba Bairon (Bolivia) y Cristina Schiavi (Argentina), en el que explora “la fuerza poética y crítica” de lo cotidiano, en el stand 7C22.

El concepto central radica en cómo estas dos artistas, activas desde los años noventa, recurren a “lo pequeño y lo singular para construir, desde lo cotidiano, un mundo de posibilidades”, con propuestas que ponen en duda las ideas preconcebidas sobre lo doméstico y rebasa los límites visuales y conceptuales establecidos.

Schiavi, a través de su aclamada serie “Cuerpo fofo”, explora desde una perspectiva incisiva la representación de los cuerpos voluptuosos, fluidos y blandos. Su propuesta no solo desafía la gordofobia, sino que “reivindica las formas sinuosas y voluptuosas” tanto humanas como abstractas.

En piezas como las pertenecientes a “Naturaleza quieta”, las composiciones geométricas generan bodegones contemporáneos en los que dichos cuerpos redondeados, descritos como “esponjosos” y “tibios”, se sitúan como protagonistas. Esta actualización de géneros clásicos como la naturaleza muerta presenta una visión crítica sobre la percepción de la belleza, el deseo y los vínculos sociales que se ritualizan a través de los objetos.

Por su parte, Bairon utiliza un enfoque minimalista, trabajando a partir de la geometría y la naturaleza muerta para crear bajorrelieves y esculturas en pasta de papel y yeso, a las que despoja estas formas de “toda referencia visual”, creando espacios vacíos, socavados en el material, que generan imágenes a través de la ausencia. En palabras de la galería, su obra “sostiene el misterio”, al no ilustrar historias ni crear narrativas lineales, sino al invitar al espectador a formar asociaciones subjetivas.

En JustMad, por otro lado, se dan cita 40 galerías de 13 países diferentes en el Palacio de Neptuno, con el eje puesto en las tendencias del arte emergente. Por segundo año, se lleva adelante la sección Just Latam, que cuenta con curaduría de la argentina María Lightowler, del que forman parte 19 artistas y 9 galerías de 6 países de latinoamérica, entre ellas dos argentinas: Julia Baitalá y Skiascope+Valk Gallery.

Azur

La galería del barrio de Recoleta, que además posee sedes en Berlín, Miami, Nueva York y Montevideo, presenta una selección de 20 obras de las artistas Susana Saman, ecuatoriana-venezolana, y la argentina Delfina Collazo.

Saman llega con la serie Illusion, Dreams, Vission y Platinum que destacan por su introspección y el uso de texturas y matices que generan una experiencia sensorial profunda en el espectador. Por su parte, Collazo expone su nueva serie Sur en la que explora materiales y formas de manera experimental, desafiando los límites de la percepción y la interpretación del arte contemporáneo.

Julia Baitalá

La historia argentina y las luchas políticas del pasado se convierten en el eje central de la obra de Miguel Ángel Lorenzio, uno de los cuatro artistas -junto a Aku Menditeguy, Rosario Mainoli y Gloria Matarazzo- que serán presentados por el espacio de Villa Crespo.

Lorenzio encuentra en las vivencias de su padre una fuente de inspiración que conecta con los conflictos históricos del país. Su estilo, marcado por elementos surrealistas, busca transmitir un simbolismo profundo en cada una de sus composiciones.

Aku Menditeguy presentará dos series tituladas “Matrix” y “Nimbus”, ambas pertenecientes a su proyecto más amplio llamado “Prima Vita”, obra que se caracteriza por ser una narrativa poética que utiliza el cuerpo como medio de expresión, materializándose en formatos de video y fotografía, mientras que Rosario Mainoli aporta una visión completamente distinta con su serie “Patrones del Universo”, que se inspira en las dinámicas del movimiento, el origen de la materia y la naturaleza cambiante del cosmos y que utiliza los materiales como protagonistas de su narrativa, explorando cómo estos pueden revelar perspectivas ocultas y nuevas formas de entender el mundo que nos rodea.

Por su parte, Gloria Matarazzo tiene una propuesta que combina lo personal y lo onírico, con una serie fotográfica que incluye imágenes de su archivo personal, capturas realizadas en su estudio y otras encontradas en internet, con un enfoque que le permite crear composiciones que exploran temas como los sueños, los pensamientos y la imaginación, ofreciendo una ventana a la intimidad de su mundo interior.

Skiascope + Valk Gallery

La galería de arte y espacio de diseño de Belgrano acude, en asociación con el proyecto de representación de artistas Skiascope, con un solo show de la fotógrafa Mono Giraud, artista reconocida por su singular capacidad para plasmar atmósferas suaves y cargadas de simbolismo.

La obra de Giraud se caracteriza por un enfoque espiritual, en una propuesta que “invita a la contemplación” con piezas que conectan profundamente con el espectador al estimular su naturaleza introspectiva y mística, a través de una técnica depurada que mezcla materiales y procesos de impresión de alta calidad.

La artista, quien creció en un entorno matriarcal, desarrolla su práctica artística explorando la conexión de las emociones humanas con la naturaleza interior. “La intuición es su principal guía creativa, permitiéndole navegar mundos imaginarios sin un destino fijo y construyendo narrativas visuales en las que la simbología tiene un papel central”, expresaron desde la galería.

Finalmente, en el marco de la feria, en la galería de Casa de América se presenta Cartografías cruzadas. Diálogos del arte latinoamericano, con curaduría de Óscar García García y Lightowler, una muestra centrada en la identidad, el multiculturalismo y la naturaleza de la región, de la que forman parte los artistas Delfina Collazo (Galeria Azur); Tranquilo (Impulso Galería, México); Gloria Matarazzo, Mariángeles Blanco y Aku Menditeguy (Julia Baitalá Galeria), Carla Piacenza y Patricia Viel (Skiascope), y Mono Giraud (Valk Gallery).

UVNT (Urvanity Art), que regresa a su sede de Matadero y se centra en el arte emergente y las nuevas tendencias, contará con más de 40 galerías de distintas ciudades del mundo y más de 160 artistas, con una inclinación hacia obras en cerámica, entre las que se encuentras NN y Valerie’s Factory.

NN

La galería de La Plata se presenta con tres artistas jóvenes: Eva Moro Cafiero, Amanda Tejo Viviani y Porkería Mala, quienes exploran conceptos como la tecnología obsoleta, la identidad fragmentada y la crítica social, utilizando medios que abarcan desde la impresión 3D hasta el óleo sobre lienzo y el uso de materiales cotidianos como birome y lápices de colores en papel.

Moro Cafiero combina tecnología y arte visual en sus series “Fósiles de mi cuerpo dormido” y “La desterritorialización de mi avatar”. En la primera, con piezas creadas en 2025, propone una “prospección paleontológica” a través de piezas fabricadas con impresión 3D, cemento, displays tecnológicos recuperados y videoarte, generando esculturas de tamaños variados que evocan cuerpos humanos inmovilizados en el tiempo.

Por otra parte, en “La desterritorialización de mi avatar”, utiliza materiales como desechos tecnológicos recuperados, plástico y videoarte combinados con impresión 3D para dar forma a esculturas de gran tamaño, que se centran en la idea de un “avatar” que se libera del espacio físico para existir en un entorno virtual.

Mientras tanto, Mandi Tejo Viviani recurre al óleo sobre lienzo para explorar temas de la vida cotidiana y conceptos existenciales. Su producción transita desde lo íntimo a lo universal, como se observa en su serie “Dios los crea y el diablo los amontona”, que incluye las obras “1AM”, “2AM” y “3AM”. A través de estos títulos, la artista parece reflexionar sobre las conexiones y tensiones humanas, ofreciendo un vistazo a las complejidades emocionales y relacionales que forman parte de la experiencia diaria.

Porkería Mala, cuya obra encuentra su fuerza en la protesta social y la cotidianidad urbana, se encuentra con su serie “Antiyuta” (2020), que destaca por su uso exclusivo de birome sobre papel, generando piezas que denuncian y documentan vivencias callejeras y tensiones sistémicas. Los dibujos presentan trazos espontáneos y cargados de intención, abordando visiones contestatarias. A través de la serie “Bichoteka” (2020), con trazos en lápices de colores sobre papel explora un imaginario más introspectivo y orgánico, con formas que parecen surgir de observaciones biológicas o fantásticas.

Valerie’s Factory

El espacio, cuya misión se centra en ”explorar el tejido de la realidad a través de las artes visuales, la tecnología y el espíritu de comunidad”, se presenta con cinco artistas: Julián Brangold, Nana Schlez, Vladimir Maruts Ballet, Elías Leiro y Julieta Proto Boca.

Brangold, especializado en cine y arte digital, desarrolla su práctica alrededor del uso de nuevas herramientas como la inteligencia artificial y el blockchain. Sus obras investigan el ecosistema cultural en línea, “los fenómenos virales, las subculturas y los mitos que emergen en el universo digital”. En su serie “Ángeles de la Historia”, presentada en 2025, Brangold apuesta por retratos que no representan identidades individuales, sino “interfaces” donde “los rostros se ensamblan como reliquias de un imaginario colectivo”.

Por su parte, Nana Schlez utiliza su obra para explorar el vínculo entre naturaleza y artificio. Su serie “This brings nature to your home, great value for your money” refleja la ironía del consumo de imágenes artificiales de la naturaleza en la era digital, donde “la experiencia de lo natural” a menudo se traduce en “una representación idealizada y domesticada”, mientras que Vladimir Maruts Ballet, quien fusiona elementos del graffiti, el punk y las subculturas urbanas, combina pintura, murales y NFTs con referencias a la cultura popular para construir obras que oscilan entre lo absurdo y lo crítico, como en su serie textil “Zamalek Sporting Club” (2024), realizada a partir de tapicerías colectiveras para representar un punto de cruce entre lo kitsch y lo esotérico.

Elías Leiro, artista y teórico, mezcla fotografía, video, pintura e instalaciones, abordando escenas cotidianas con “humor y asombro”. Define su producción como una búsqueda de sentido a través de eventos simples: “despertarse, comer, comprar, leer...”. En su serie “Meditaciones”, combina acrílico sobre fotografías digitales impresas y dota al proceso artístico de cualidades mecánicas que encuentra “similares a los procesos de meditación”.

En el caso de Julieta Proto Boca, encarna una obsesión por el límite entre la figuración y la abstracción en la pintura. Su trabajo, que fusiona el dibujo, el graffiti y la reconstrucción de fotografías, se inspira en su vida diaria, viajes y recuerdos oníricos. Proto Boca refiere que cada una de sus imágenes “surge al deformar la figuración”, generando un balance delicado entre lo abstracto y lo figurativo.