La belleza de la semana: los grandes provocadores del ready-made

En francés, objet trouvé. En inglés, ready-made. En español, arte encontrado. ¿Qué significa? Convertir objetos comunes, que en su uso cotidiano no tienen una función artística, en obras de arte. A diferencia de otras corrientes, acá no se oculta el origen de esos objetos; al contrario, se los expone con toda su significación posible, desde la más superficial y lineal hasta la más metafórica y absurda.

El ready-made tiene una larga tradición. Se pueden encontrar destellos de este método a lo largo de la historia. Ya en la Edad Media se introducía el oro en algunas obras, incluso piedras preciosas, y aunque esto se da por sus cualidades innatas, por su valor social, se lo puede considerar un objeto encontrado. Pero el ready-made es otra cosa. ¿Y qué es?

Dos siglos atrás, el escritor franco-uruguayo Isidore Lucien Ducasse, conocido como Conde de Lautréamont, escribió: “Bello como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas sobre una mesa de disección”. El contraste es lo esencial, porque muchas veces roza la vulgaridad o el equívoco, y siempre se trata de una provocación. ¿Exceso de márketing? ¿Dosis elevadas de exageración, tal vez? Empecemos el recorrido.

El término ready-made fue acuñado por Duchamp en 1915 para describir su práctica de tomar objetos cotidianos y presentarlos como arte. El primero lo hizo dos años antes: Rueda de bicicleta. En ese mismo periodo, Duchamp ya había captado la atención del mundo del arte con su obra Desnudo bajando una escalera 2, presentada en la Exposición Internacional de Arte Moderno. Pero fue en 1917 cuando su ready-made más polémico, La Fuente, un urinario firmado con el seudónimo “R. Mutt”, desató una tormenta de críticas y debates.

La Sociedad de Artistas Independientes, que organizaba una exposición en 1917, rechazó esta obra argumentando que no podía considerarse arte, lo que marcó un momento crucial en la historia del arte moderno, ya que puso en evidencia la resistencia de las instituciones artísticas tradicionales frente a las nuevas formas de expresión.

En respuesta a esta controversia, la revista The Blind Man publicó un editorial en el que defendía la obra de Duchamp: “El hecho de que el señor Mutt realizara o no La Fuente con sus propias manos carece de importancia. La eligió. Cogió un artículo de la vida cotidiana y lo presentó de tal modo que su significado utilitario desapareció bajo un título y un punto de vista nuevo. Creó un pensamiento nuevo para ese objeto”.

Ya dentro del movimiento dadaísta, Man Ray presenta en su primera exposición individual en París, en la Galerie Six de Phillippe Soupault el 3 de diciembre de 1921, El regalo: una escultura ready-made que consiste en una plancha con catorce tachuelas pegadas a su suela. Esta obra tiene una historia y el propio artista estadounidense se encargó de contarla en sus Memorias: “Un extraño hombrecillo voluble de unos cincuenta años se acercó a mí y me llevó a uno de mis cuadros... Estaba cansado con los preparativos de la inauguración, la galería no tenía calefacción, temblaba y decía en inglés que tenía frío”.

“Me contestó en inglés, me cogió del brazo y me llevó fuera de la galería a un café de la esquina, donde pidió grogs calientes. Se presentó como Erik Satie y recayó en el francés, que le informé que no entendía. Con un brillo en los ojos, dijo que no importaba. Teníamos un par de grogs adicionales; empecé a sentirme caliente y mareado. Al salir de la cafetería, pasamos por una tienda que tenía varios utensilios domésticos esparcidos por el frente. Cogí una plancha, de las que se usan en las estufas de carbón, le pedí a Satie que me acompañara a entrar, donde, con su ayuda, conseguí una caja de tachuelas y un tubo de pegamento. De vuelta en la galería, pegué una fila de tachuelas a la superficie lisa de la plancha, la titulé El regalo y la añadí a la exposición. Este fue mi primer objeto dadaísta en Francia”, escribió.

Antes de los colores, los globos, los tonos metalizados, Jeff Koons fue un artista del ready-made. En 1985 presentó Equilibrio. En la página del Museo Guggenheim de Bilbao se lee que la hizo para su primera exposición individual. “Creó en bronce varias esculturas que representaban elementos relacionados con la supervivencia, como el bote salvavidas y el chaleco de buceo y el tubo de submarinismo. Al estar realizados en bronce, los objetos parecen inmortales, llenos de aire y vida”.

Y sigue: “Sin embargo, el pesado material empleado les impide cumplir su función de flotar, de modo que se convierten en elementos mortíferos incapaces de lograr el equilibrio entre la vida y la muerte. Jeff Koons quiso alcanzar el equilibrio también con obras que presentaban balones de baloncesto flotando en el interior de tanques de agua en un delicado equilibrio que se puede ver alterado por cambios de temperatura o vibraciones”.

En 1991 Damien Hirst ya había alcanzado cierto renombre, entonces el galerista Charles Saatchi se ofreció a financiar cualquier obra que hiciera. El resultado fue exhibido al año siguiente en la primera exposición Young British Artists en la Galería Saatchi de Londres.

La Imposibilidad Física de la Muerte en la Mente de Alguien Viviente. Así se titula la obra del artista británico con un tiburón gigante preservado en formol. Se vendió por £50,000. El tiburón había sido capturado por un pescador en Australia y había costado £6,000. Gran negocio, ¿verdad?​ Hoy ya forma parte de la historia del arte.

Wolf Vostell fue un artista de gran despliegue en Alemania. Manejaba la pintura, la escultura, la instalación, el décollage, el videoarte, el happening y el fluxus. Y en 1996, en el pico de su carrera, sorprendió con una escultura enorme, una gran obra ready-made, que tituló con mucha ambición y generando altas dosis de confusión entre el público ¿Por qué el proceso entre Pilatos y Jesús duró sólo dos minutos? Está instalada en el Museo Vostell Malpartida, en Malpartida de Cáceres, Extremadura, España.

En la obra, Vostell ensambló un avión militar ruso desguazado, clavado verticalmente en un charco de agua, autos, pianos y monitores de computadora.

Si alguien creyó que el ready-made había concluido, que era un gesto viejo, pasado de moda, predecible, se equivocó. Una banana pegada a la pared con cinta adhesiva volvió a dar vuelta todo. Comedian, del artista italiano Maurizio Cattelan, se leyó como un reflejo ácido y mordaz sobre los valores que rigen el mercado del arte actual. Fue subastada por 6.2 millones de dólares en Sotheby’s Nueva York.

Comedian hizo su primera aparición pública en 2019, cuando fue presentada en Art Basel Miami Beach. Desde entonces, ha suscitado un cúmulo de emociones, desde la fascinación hasta el escepticismo. En aquella ocasión, un visitante —el artista estadounidense David Datuna— quitó la banana de la pared y se la comió frente a un público atónito. Esto también es una obra de arte, dijo. Para ese momento ya había vendido tres ediciones originales por precios que oscilaban entre 120.000 y 150.000 dólares.