El Museo Moderno presentó su programa de muestras principales, en torno al teatro

El Museo de Arte Moderno anunció su programa de ocho exposiciones principales para 2025, bajo el título Arte es teatro, que explorará la relación entre las artes visuales y el teatro en Argentina desde los años sesenta hasta la actualidad.

Tras la confirmación de la “cartelera 2025″ por parte de la mayoría de los museos, fundaciones y centros culturales, el espacio de San Telmo presentó un programa, que como el del año pasado que estuvo centrado en la educación, girará en torno al teatro. Entre los protagonistas principales serán Dalila Puzzovio, una recorrida histórica del Di Tella al Parakultural, Nacha Guevara y Jorge Miño, entre otros.

El programa incluirá exposiciones históricas y monográficas que pondrán en valor a figuras clave del teatro de vanguardia argentino y a artistas contemporáneos que han desdibujado las fronteras entre disciplinas como la performance, la música, el teatro y el arte en el espacio público.

El diseño del programa Arte es teatro, a cargo de la directora del espacio Victoria Noorthoorn, en colaboración con un equipo de expertos que incluye a Alejandro Tantanian, curador de teatro del museo, y Agustina Vizcarra, jefa de exposiciones, y Pino Monkes, jefe de conservación. Además, participaron curadores invitados como Rodrigo Barcos, Andrés Gallina, Florencia Qualina y Álvaro Rufiner, entre otros.

Exposiciones destacadas

Dalila Puzzovio: Autorretrato

Con inauguración prevista para el 12 de abril de 2025, esta retrospectiva explorará más de seis décadas de trayectoria de la artista Dalila Puzzovio.

La muestra se estructurará en torno a tres ejes curatoriales que permitirán comprender la evolución de su obra y su impacto en el arte argentino. Desde sus primeros trabajos en los años sesenta, como los objetos realizados en yeso que presentó en la Galería Lirolay, hasta sus icónicos zapatos de plataforma que marcaron un hito en el Instituto Di Tella, la exposición promete ofrecer una visión integral de su legado. Estos zapatos, que le valieron el 2° Premio Internacional del Instituto Di Tella, fueron descritos por la propia artista como una “plataforma donde te plantás” que “te cambia la perspectiva”.

La retrospectiva incluirá piezas originales, reconstrucciones de obras clave y un extenso archivo documental que ha sido recopilado a lo largo de una investigación exhaustiva realizada por el museo. Este archivo contiene material inédito, como fotografías de Puzzovio vistiendo sus propios diseños y registros nunca antes vistos de obras fundamentales del arte argentino. Este enfoque permitirá a los visitantes no solo apreciar su obra, sino también entender el contexto en el que fue creada y su relevancia en debates contemporáneos.

Uno de los aspectos más destacados de la obra de Dalila Puzzovio es su tratamiento del cuerpo como un espacio de experimentación y transformación: la artista ha utilizado el cuerpo como una materia plástica, moldeándolo para construir personajes que desafían las convenciones sociales y artísticas. Este enfoque se refleja en su trabajo como diseñadora de moda, donde describió la vestimenta como un “abecedario con el que transmitir distintas narraciones”.

La relación entre arte, moda y medios de comunicación es otro de los temas centrales en la obra de Puzzovio. Desde sus primeras ambientaciones inspiradas en espacios cotidianos asociados con lo femenino, hasta sus intervenciones en el espacio público con carteles publicitarios y escaparates de tiendas, la artista ha explorado cómo estos elementos pueden ser utilizados para cuestionar y redefinir los límites entre lo privado y lo público.

La exposición también incluirá una recreación ficcional del mítico departamento que Puzzovio compartía con su pareja y colega, el artista Charlie Squirru. Este espacio, que fue un punto de encuentro para la vanguardia artística de la época, será evocado como parte del diseño museográfico de la muestra.

La exposición, curada por Pino Monkes y Patricio Orellana, se centrará en la identidad como una construcción teatral y en el cuerpo como un escenario de invención. La muestra incluirá piezas originales, reconstrucciones de obras icónicas y material documental inédito, como fotografías y registros de su práctica artística.

Esto es teatro: Once escenas experimentales del Di Tella al Parakultural

Esta exposición, que abrirá el 27 de mayo de 2025, analizará la interrelación entre las vanguardias artísticas y la experimentación teatral en Argentina durante los años sesenta y ochenta.

La muestra incluirá obras de artistas como Griselda Gambaro, Nacha Guevara, Batato Barea, Alejandro Urdapilleta, Cristina Banegas, Laura Yusem, Graciela Galán, Humberto Rivas, Alfredo Bonino, Kado Kostzer, Renata Schussheim, Elba Bairon, Vivi Tellas, Alejandro Kuropatwa, Pérez Celis, La Organización Negra y muchos otros, en una exposición que abordará hitos como las experiencias del Instituto Di Tella y las performances radicales del Centro Parakultural, destacando cómo estas prácticas desafiaron las normas teatrales y sociales de su tiempo.

Uno de los ejes centrales de la exposición será el análisis de las innovaciones teatrales que surgieron en el Instituto Di Tella, específicamente en el Centro de Experimentación Audiovisual (CEA), dirigido por Roberto Villanueva entre 1963 y 1970. Este espacio se convirtió en un laboratorio de ideas donde artistas jóvenes rompieron con las estructuras tradicionales del teatro realista que predominaban en la época. Entre las obras destacadas de este período se encuentra El desatino, de Gambaro, dirigida por Jorge Petraglia, que generó una intensa polémica entre los defensores del realismo y los partidarios del teatro del absurdo.

La exposición también abordará otras propuestas innovadoras que se alejaron de las narrativas textuales convencionales. Entre ellas, los espectáculos de la “nueva canción” de Nacha Guevara y las experiencias corporales y silenciosas de Ángel Elizondo, que desafiaron las normas teatrales de la época.

Estas prácticas experimentales no solo difuminaron los límites entre el teatro y la danza, sino que también dialogaron con las posvanguardias europeas y exploraron nuevas posibilidades políticas y artísticas en un contexto marcado por la represión de la dictadura del General Onganía.

Otro de los puntos destacados de la muestra será la obra de Víctor García, un artista escénico argentino que trascendió las fronteras nacionales durante los años de dictadura. García desarrolló su carrera en países como Brasil, España y Francia, donde introdujo una escala monumental en sus producciones teatrales. Sus innovaciones incluyeron el uso de elementos escénicos como ruedas gigantes, carrocerías de automóviles superpuestas y escenarios inclinados o elásticos, que desafiaron tanto la acción dramática como la estabilidad de los actores.

La exposición también explorará el resurgimiento del teatro experimental en los años ochenta, tras el regreso de la democracia en 1983, período que estuvo marcado por las performances y sketches de artistas como Batato Barea, Alejandro Urdapilleta y el grupo Las Gambas al Ajillo, quienes utilizaron el teatro como un medio para canalizar las tensiones políticas y artísticas de la posdictadura.

El Centro Parakultural, fundado por Omar Viola y Horacio Gabin entre 1986 y 1990, se convirtió en un espacio emblemático para estas expresiones artísticas. Allí se mezclaron el teatro, el rock y las artes visuales, en un ambiente que celebraba la libertad creativa y cuestionaba las normas sociales de la época.

Nacha Guevara: Aquí estoy

En septiembre de 2025, el museo presentará una exposición individual dedicada a Nacha Guevara, que explorará su trayectoria como actriz, cantante y figura del Café Concert, destacando su capacidad para utilizar el arte como herramienta de transformación social y su constante reinvención a lo largo de seis décadas.

La exposición pone un énfasis especial en cómo Nacha Guevara utilizó el género del Café Concert como una herramienta para expresar su posicionamiento político y estético. Este formato, que combina música, teatro y crítica social, fue el vehículo que permitió a la artista conectar con el público de manera directa y desafiante, especialmente en contextos históricos marcados por la censura y la represión. La muestra también se vincula con otra exposición en el mismo museo, titulada Esto es teatro, que aborda la historia del teatro en Argentina, destacando la participación de Guevara en este ámbito.

Nacida como Clotilde Acosta el 3 de octubre de 1940 en Mar del Plata, Nacha Guevara es descrita por el museo como una artista “total”. Desde sus inicios en las vanguardias artísticas de los años sesenta, pasando por su exilio durante la dictadura militar argentina, hasta su participación en programas de telerrealidad en el siglo XXI, Guevara ha sabido reinventarse constantemente, adaptándose a los cambios culturales y sociales de cada época.

La exposición también busca resaltar la dimensión personal de Nacha Guevara, mostrando cómo su vida y su obra están profundamente entrelazadas. Desde su participación en el Instituto Di Tella, un espacio clave para las vanguardias artísticas en Argentina, hasta su incursión en la televisión y el teatro musical, cada etapa de su carrera refleja su compromiso con el arte como una herramienta de transformación social.

Máquina Teatro: El Periférico de Objetos (1990-2009)

El 7 de agosto de 2025 se inaugurará una retrospectiva sobre El Periférico de Objetos, un grupo teatral que redefinió los límites del teatro en Argentina.

Curada por Alejandro Tantanian, Andrés Gallina y Jimena Ferreiro, incluirá reconstrucciones de piezas emblemáticas, documentación histórica y objetos restaurados, destacando la influencia del grupo en el desarrollo del teatro de objetos y su conexión con las artes visuales.

El Periférico de Objetos fue fundado por Ana Alvarado, Emilio García Wehbi y Daniel Veronese, con la participación de Román Lamas. Desde su primer espectáculo, el grupo se destacó por romper con las convenciones teatrales tradicionales, alejándose del apego al texto dramático que predominaba en la escena argentina. Inspirados por figuras internacionales como Tadeusz Kantor, Pina Bausch y Dominique Houdart, los integrantes de El Periférico exploraron nuevas formas de expresión a través del cuerpo, los objetos y la memoria, desafiando las normas establecidas del teatro independiente de la época.

Uno de los aportes más significativos de El Periférico de Objetos fue la creación del concepto de “teatro de objetos” en el país: el grupo desarrolló una estrecha relación con las artes visuales, incorporando elementos escultóricos y antropomórficos en sus producciones. Entre sus innovaciones más destacadas se encuentran los “títeres ready-made”, muñecos hiperrealistas que desafiaban las nociones tradicionales del teatro de títeres y que se convirtieron en un sello distintivo de su trabajo.

El colectivo también se distanció de lo que consideraban una visión “titiritesca” del teatro, optando por una estética que combinaba lo teatral con lo visual. Esta integración de disciplinas permitió a El Periférico expandir los límites del teatro convencional y explorar nuevas formas de narración y representación escénica.

La proyección internacional fue notable, especialmente en una época en la que el teatro experimental argentino tenía poca visibilidad fuera del país. El grupo no solo logró presentarse en escenarios internacionales, sino que también influyó en el desarrollo del formato de “instalación” dentro del arte contemporáneo argentino. Este enfoque interdisciplinario permitió que su legado se extendiera más allá del ámbito teatral, dejando una huella en diversas áreas de la creación artística.

Jorge Miño: La cuarta pared

El 24 de abril de 2025, el museo abrirá dos exposiciones individuales. La primera, dedicada a Jorge Miño, explorará la manipulación de espacios arquitectónicos a través de la fotografía.

Miño utiliza una variedad de técnicas para alterar las imágenes originales de los espacios que fotografía. Entre los procedimientos empleados se encuentran la impresión lenticular, la superposición de tomas, la manipulación de la luz y la resolución de las imágenes. Estas intervenciones permiten al artista construir nuevas espacialidades que parecen escapar de las limitaciones del plano bidimensional. Las obras resultantes presentan figuras con volúmenes imposibles, ángulos que se multiplican y puntos de fuga que compiten por el dominio de la composición geométrica.

La exposición, situada estratégicamente antes de las salas dedicadas al patrimonio del museo, establece un diálogo directo con obras clave de la abstracción geométrica argentina. Esta ubicación no es casual, ya que las piezas de Miño proponen una reflexión profunda sobre la incertidumbre inherente al espacio. En sus imágenes, la línea entre la realidad y la ficción se desdibuja, ampliando las posibilidades de percepción del espectador.

El título de la muestra, La cuarta pared, hace referencia al concepto teatral que describe la barrera invisible entre el escenario y el público. En este caso, el espectador se convierte en esa “cuarta pared”, ya que su punto de vista define cómo se perciben las figuras en las obras de Miño. Sin embargo, estas imágenes siempre ofrecen una dimensión adicional que puede ser descubierta desde otra posición, lo que refuerza la idea de que las formas geométricas son, en esencia, infinitas.

Valentina Quintero: Un día en la vida

Valentine, nacida en Mendoza en 1997, es una artista visual, performer y cantante cuya obra se caracteriza por la transversalidad entre disciplinas. Este enfoque multidimensional le permite explorar la identidad desde diferentes perspectivas, desbordando los límites tradicionales del arte. Su trayectoria incluye un tránsito constante entre el escenario y la pintura, así como la construcción de un perfil que mezcla elementos de celebridad del teatro y la televisión con su faceta de artista contemporánea.

En sus propias palabras, Valentine describe su proceso creativo como un ejercicio de constante transición. “La manera en que el arte traslada y trae objetos de otros lenguajes para su mundo siempre fue un ejercicio que admiré profundamente. En clave de constante transición, opero en cada ejercicio artístico desde una parada performativa. Construyo alter egos para sublimar mi experiencia social en la obra, para-re escribir y re-pensar la identidad”, afirmó la artista.

La exposición, que se desarrollará a partir del 24 de abril y curaduría de Raúl Flores, incluye estudios anatómicos a escala real, donde los cuerpos representados parecen entrelazarse en una trama indivisible. Valentine parte de una superficie negra para aplicar el color, buscando un efecto de contraste y textura que resalta la energía de las escenas. Este enfoque recuerda la tradición del muralismo moderno, pero se distancia de ella al incorporar una narrativa contemporánea que refleja las dinámicas de la vida nocturna y la interacción social.

La artista utiliza la pintura como una extensión de su práctica performática, trasladando a las obras la memoria corporal de sus movimientos en escena. Este proceso no solo le permite explorar la anatomía y el movimiento, sino también reflexionar sobre la identidad y las experiencias sociales que subyacen en su trabajo.

Bárbara Bianca LaVogue: Tu presencia en mí

El 12 de abril se presentar una exposición dedicada a la obra de Bárbara Bianca LaVogue, una figura emblemática de la escena artística y nocturna de Buenos Aires entre finales de los años 90 y principios de los 2000.

Tu presencia en mí incluirá una selección de dibujos y poemas de la artista, que estarán expuestos en el café del recinto. La curaduría está a cargo de Rodrigo Barcos, asistente curatorial del Museo Moderno, en colaboración con Álvaro Rufiner, mientras que el diseño museográfico ha sido desarrollado por Job Salorio. Además, se ha contado con el apoyo especial de Andrea Gorostidi y Juan Queiroz.

Bárbara Bianca LaVogue (1970-2018) fue una artista multifacética que destacó no solo por su talento en el dibujo y la poesía, sino también por su papel como modelo, coreógrafa de desfiles de alta moda y figura central de la vida nocturna porteña. Su obra, caracterizada por un estilo único y transgresor, refleja un universo personal en el que se entrelazan experiencias de su vida cotidiana, su infancia, su sexualidad disidente y su búsqueda espiritual. La exposición busca capturar esta esencia y ofrecer al público una ventana al imaginario creativo de LaVogue.

La obra de LaVogue se distingue por su carácter íntimo y prolífico, gran parte de su producción artística fue realizada en pequeños formatos, utilizando papeles que intervenía con un trazo continuo y característico. En sus dibujos, LaVogue retrató a personas cercanas a ella, como amigos, amigas y drag queens, así como elementos que evocan su conexión con el mundo de la moda, como accesorios, collares, aros y zapatos de tacón. También aparecen animales, tanto reales como fantásticos, que dotan a sus composiciones de un aire mágico y glamoroso. La exposición no solo incluirá dibujos, sino también poemas que, al igual que su obra visual, están impregnados de una profunda carga emocional y simbólica.

En el marco de Arte es teatro, el Museo Moderno lanzará un nuevo formato de exhibiciones denominado Exposiciones en cartel, que combinará arte contemporáneo y espectáculos escénicos en su auditorio. Entre las propuestas confirmadas se encuentran presentaciones de artistas como Lolo y Lauti, Rafael Spregelburd y el grupo teatral Piel de Lava.

Además, el museo continuará con sus programas públicos, que incluyen ciclos de teatro, música experimental y cine, así como conferencias magistrales y un simposio dedicado a la relación entre el arte y el teatro.

Además, desde el Museo también se destacó la proyección internacional de su programación, como el Tour Europeo de La Menesunda según Marta Minujín, que llegará al Museo Reina Sofía en Madrid en noviembre de 2025. Esta emblemática obra, creada en 1965, ha sido reconocida como una de las experiencias artísticas más significativas de los últimos años.

En el ámbito educativo, el museo reafirma su compromiso con la inclusión y el aprendizaje a través de programas como “El Museo va a la escuela” y talleres adaptados a diferentes públicos. Según el museo, estas iniciativas buscan promover la creatividad y la diversidad cultural, posicionando al Moderno como un espacio de pertenencia y transformación social.

El Programa de Residencias Casa Alberto Heredia, inaugurado en 2023, continuará en 2025 con la participación de artistas nacionales e internacionales. Este programa ofrece un espacio para la investigación y el intercambio artístico, en colaboración con el equipo del museo.

Asimismo, el Mapa Dinámico del Arte Contemporáneo Argentino, una herramienta digital lanzada en 2023, seguirá actualizándose para brindar información sobre la escena artística del país, incluyendo museos, galerías y portfolios de artistas.