‘Alien: Earth’ reinventa el horror con niños inmortales, metáforas de Peter Pan y una isla llamada Neverland

La precuela Alien: Earth, sacude a los espectadores que esperan horror de Xenomorfos desde un ángulo adicional y menos esperado: la serie está prácticamente inundada de metáforas de Peter Pan que no terminan de funcionar.

Eso es en parte intencional; esta es una serie sobre híbridos desafortunados. ¿Qué sucede cuando se combinan cosas que antes no podían, y quizás no deberían, combinarse?

Las referencias a Peter Pan provienen principalmente de un joven y nefasto trillonario llamado Boy Kavalier (Samuel Blenkin), quien fundó Prodigy, una de las cinco grandes corporaciones que controlan el planeta. Disfruta leer en voz alta pasajes de J.M. Barrie a sus “Niños Perdidos”, un grupo de seis poderosas y prácticamente inmortales criaturas sintéticas en las cuales la empresa de Kavalier ha transferido la conciencia de seis niños moribundos. Prodigio él mismo, Kavalier teoriza que los niños tienen mayor flexibilidad y potencial. Así que, aunque los “synths”, su prototipo para esta versión de la inmortalidad humana, parecen adultos, se comportan y hablan como los niños que alguna vez fueron.

La primera de estos (y la favorita de Kavalier) es una synth vivaz y encantadora llamada Wendy (Sydney Chandler), a quien conocemos primero como Marcy (Florence Bensberg), una reflexiva niña de 12 años que está perdiendo su batalla contra el cáncer. Como la “mayor”, ella guía y lidera a los otros cinco: Slightly (Adarsh Gourav), Smee (Jonathan Ajayi), Curly (Erana James), Nibs (Lily Newmark) y Tootles (Kit Young).

La micro-sociedad que estos seres híbridos forman es tan atractiva como la sombría sociedad meramente humana que se retrata en pantalla: predecible, fea y empobrecida. Ajayi, Gourav y Chandler son especialmente buenos canalizando la visión infantil de sus personajes, y el entorno que habitan los synths es simplemente divertido. Los fanáticos de la serie Legion de Noah Hawley (sobre los X Men) saben cuánto le gusta al guionista y director un elegante campamento de entrenamiento sobrenatural. Los Niños Perdidos, en consecuencia, viven en una idílica isla al estilo Parque Jurásico llamada Neverland, que se siente estética y tonalmente distinta de las distopías sombrías y opresivas de la franquicia Alien. Allí, los seis synths son atendidos, mimados y monitoreados por una especie de psiquiatra maternal llamada Dame Silvia (una Essie Davis poco aprovechada), su esposo Arthur (David Rysdahl), quien se encarga de la mayor parte de la ciencia, y Kirsh (Timothy Olyphant), un synth más antiguo que gestiona la misión, la seguridad de la isla y, en la medida de lo posible, los impulsos y estados de ánimo de Kavalier.

Quizás te preguntes cómo podría esta historia cruzarse de manera productiva con el mundo que conocemos de las otras películas de Alien. De hecho, con solo ocho episodios, Alien: Earth se siente un poco sobrecargada. Sin embargo, también está filosóficamente interesada en los híbridos antinaturales, ya sean cyborgs, synths o combinaciones trans-especies más nuevas y aterradoras.

Por eso es apropiado que el personaje que vincula narrativamente estas dos tramas —el hermano mayor de Marcy (ahora Wendy), que trabaja para saldar su deuda corporativa como un humilde soldado-médico— se llame Hermit (Alex Lawther). Conocido por meterse en recipientes que no son suyos y operar desde dentro, el modus operandi del cangrejo ermitaño se convierte en una metáfora central de la serie.

Eso no es terreno nuevo para la franquicia; de hecho, encaja bien con aquella escena en Aliens donde Ripley, interpretada por Sigourney Weaver, se pone un montacargas blindado con forma de cuerpo para luchar contra la reina alienígena. Pero es una variante ligeramente diferente del tipo habitual de horror corporal del género. La serie de Hawley está menos interesada en el parasitismo depredador (o incubación, o violación) que en la ocupación, específicamente en la proposición de que la conciencia y la identidad pueden permanecer intactas sin importar el cuerpo que “ocupes”.

Dicho esto, hay bastante gore y los alienígenas ciertamente no quedan relegados. Alien: Earth está ambientada en el año 2120, dos años antes de los eventos del primer Alien de Ridley Scott (1979), y la serie comienza de manera muy similar a la original, con una tripulación que trabaja a regañadientes en una nave espacial (diferente) de Weyland-Yutani llamada USCSS Maginot. Están en una misión de 65 años transportando un conjunto de especímenes para la Corporación Yutani (una de las cuatro rivales corporativas de Prodigy). El diseñador de producción Andy Nicholson es inquietantemente fiel al aspecto y estilo del original; incluso las cápsulas criogénicas lucen igual. La atmósfera también es similar, con los miembros de la tripulación, agotados, comportándose más como camioneros exhaustos que como oficiales espaciales mientras discuten cansadamente fracciones de acciones. El episodio piloto solo ofrece fragmentos de la historia que los espectadores llegarán a conocer, y no entraré en la trama alienígena para evitar spoilers, pero hay bastante carnicería de Xenomorfos.

En cualquier caso, hay un accidente. El Maginot aterriza sobre un edificio perteneciente a Boy Kavalier, y la trama realmente comienza cuando Hermit termina en el lugar del accidente en una misión de búsqueda y rescate. Al enterarse de la presencia de especies alienígenas a bordo, Kavalier decide intentar contenerlas él mismo, en lugar de entregarlas a Yutani. Esa disputa burocrática entre trillonarios es el pretexto oficial para gran parte de lo que ocurre en la serie.

La serie no es perfecta. Una rivalidad inicialmente prometedora entre dos de los personajes más interesantes y poderosos de la serie —Morrow (Babou Ceesay), un cyborg que trabaja para Yutani, y Kirsh, el lugarteniente de Kavalier— termina sintiéndose más arbitraria que catártica. La actuación excepcional de Ceesay se beneficia de un guion que le da espacio para desmoronarse. El personaje de Olyphant, en cambio, permanece como un enigma tentador durante gran parte de la serie. Pero como no queda claro qué siente o “quiere” un synth de su antigüedad, sus raros arrebatos resultan más confusos que atractivos.

Sydney Chandler es la jugadora más valiosa de la serie. Como Wendy, el antiguo apego a su hermano Hermit impulsa gran parte de la acción. Eso es difícil de lograr sin parecer empalagoso o meloso. Al interpretar a una niña convertida en synth, Chandler necesitaba anclar y humanizar varios experimentos mentales: ¿La identidad permanece intacta sin importar el cuerpo que ocupa? ¿Qué harán los niños si se les da cuerpos adultos y capacidades sobrehumanas? ¿Cuánto aísla el talento (con la doble intención de la palabra “alien”) a lo ordinario, y viceversa? Ella aporta tanta energía, carisma, curiosidad y autoridad desafiante al papel que logra camuflar con éxito algunos rasgos más desagradables del arco de su personaje.

De hecho, si la serie tiene un gran defecto, podría ser su incapacidad para atemperar narrativamente el magnetismo de Wendy, que a veces desestabiliza y descentra el enfoque habitual de la franquicia en (y su compromiso con) las distopías corporativas. Sigo volviendo a un momento tonalmente extraño en el final, en el que dos personajes menores, ambos trabajadores y víctimas del infierno hipercapitalista que la serie por lo demás critica, mueren de una manera predeciblemente terrible. El momento se percibe como celebratorio. Sentí que, en ese punto, la serie había sido tomada por una perspectiva que no era del todo la suya.

Fuente: The Washington Post